Darsteller

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"Schauspielerin" leitet hier um. Für andere Anwendungen, siehe Actor (Begriffsklärung) und Actress (Begriffsklärung).
Schauspieler aus der Comédie-Française, c. 1720.

Ein Schauspieler (oft Schauspielerin für Frauen; siehe Terminologie) ist eine Person, die einen Charakter in einer Performance darstellt.[1] Der Schauspieler spielt "im Fleisch" im traditionellen Medium des Theaters oder in modernen Medien wie Film, Radio und Fernsehen. Der analoge griechische Ausdruck ist ὑποκριτήή (hupokritḗs), buchstäblich "jemand, der antwortet".[2] Die Interpretation der Rolle des Schauspielers - die Kunst des Schauspielens - bezieht sich auf die Rolle, die gespielt wird, sei es auf der Grundlage einer realen Person oder eines fiktiven Charakters. Interpretation tritt auf, selbst wenn der Schauspieler "sich selbst spielt", wie in einigen Formen experimenteller Performancekunst.

Früher konnten in manchen Gesellschaften nur Männer zu Schauspielern werden, und Frauenrollen wurden im allgemeinen von Männern oder Jungen gespielt.[3] Wenn sie für die Bühne verwendet wurden, spielten Frauen gelegentlich die Rollen von vorpubertären Jungen.[4]

Terminologie

Nach 1660 in England, als Frauen erstmals auf der Bühne erschienen, lauteten die Bedingungen Darsteller oder Darstellerin wurden zunächst austauschbar für weibliche Darsteller verwendet, aber später, von den Franzosen beeinflusst Schauspielerin, Darstellerin wurde der allgemein gebräuchliche Begriff für Frauen in Theater und Film. Die Etymologie ist eine einfache Ableitung von Darsteller mit -ess hinzugefügt.[5] In Bezug auf Gruppen von Performern beiderlei Geschlechts, Schauspieler Ist bevorzugt.[6]Darsteller wird auch vor dem vollständigen Namen eines Interpreten als geschlechtsspezifischer Begriff verwendet.

Innerhalb des Berufs reicht die Wiedereinführung des neutralen Begriffs in die Nachkriegszeit der 1950er und 1960er Jahre, als die Beiträge von Frauen zum kulturellen Leben im Allgemeinen überprüft wurden.[7] Wann Der Beobachter und Der Wächter veröffentlicht ihren neuen gemeinsamen Stil Leitfaden im Jahr 2010, hieß es "Use [" Schauspieler "] für männliche und weibliche Schauspieler; nicht Schauspielerin, außer wenn im Namen der Auszeichnung, zum Beispiel Oscar für die beste Schauspielerin."[6] Die Autoren des Führers erklärten, dass "Schauspielerin in die gleiche Kategorie wie Autorin, Komödiantin, Managerin, 'Ärztin', 'Pflegerin' und ähnliche veraltete Begriffe kommt, die aus einer Zeit stammen, in der Berufe größtenteils einem Geschlecht vorbehalten waren (gewöhnlich Männer). . " (Sehen männlich als Norm). "Wie Whoopi Goldberg in einem Interview mit der Zeitung sagte:" Eine Schauspielerin kann nur eine Frau spielen. Ich bin ein Schauspieler - ich kann alles spielen. "[6] Die britische Künstlervereinigung Equity hat keine Richtlinien für die Verwendung von "Schauspieler" oder "Schauspielerin". Ein Sprecher von Equity sagte, dass die Gewerkschaft nicht der Meinung sei, dass ein Konsens in dieser Angelegenheit bestehe, und erklärte, dass das "... Thema den Beruf teilt".[6] Im Jahr 2009 wurde die Los Angeles Zeiten stellte fest, dass "Schauspielerin" weiterhin der allgemeine Begriff ist, der bei wichtigen Schauspielpreisen für weibliche Empfänger verwendet wird[8] (z. B. Oscar für die beste Hauptdarstellerin).

In Bezug auf das Kino der Vereinigten Staaten war der geschlechtsneutrale Begriff "Spieler" im Film in der Stummfilmära und den frühen Tagen des Filmproduktionscodes üblich, aber in den 2000er Jahren in einem Filmkontext ist es allgemein als archaisch angesehen. "Spieler" wird jedoch weiterhin im Theater verwendet, oft in den Namen einer Theatergruppe oder -gesellschaft wie den American Players, den East West Players usw. aufgenommen. Auch Akteure im Improvisationstheater können als "Spieler" bezeichnet werden ".[9]

Geschichte

Der erste aufgezeichnete Fall eines darstellenden Schauspielers ereignete sich 534 v. Chr. (Obwohl die Veränderungen im Kalender im Laufe der Jahre es schwierig machen, genau zu bestimmen), als der griechische Künstler Thespis die Bühne betrat Theater Dionysos die erste bekannte Person zu werden, die Wörter als Figur in einem Spiel oder einer Geschichte spricht. Vor der Tat von Thespis wurden griechische Geschichten nur im Lied, im Tanz und in der Third-Person-Erzählung ausgedrückt. Zu Ehren von Thespis werden Schauspieler allgemein genannt Thespisjünger. Die ausschließlich männlichen Schauspieler im Theater des antiken Griechenlands traten in drei Arten von Dramen auf: Tragödie, Komödie und Satyrspiel.[10] Das westliche Theater entwickelte sich unter den Römern beträchtlich. Das Theater des alten Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von Festivalaufführungen des Straßentheaters, Aktakt und Akrobatik über die Inszenierung von Situationskomödien bis hin zu hochtrabenden, verbal durchdachten Tragödien reichte.

Als das Weströmische Reich im 4. und 5. Jahrhundert verfiel, verlagerte sich der Sitz der römischen Macht nach Konstantinopel und das Byzantinische Reich. Aufzeichnungen zeigen, dass Pantomime, Pantomime, Szenen oder Rezitationen von Tragödien und Komödien, Tänzen und anderen Unterhaltungen sehr beliebt waren. Ab dem 5. Jahrhundert geriet Westeuropa in eine Periode allgemeiner Unordnung. Kleine nomadische Gruppen von Schauspielern reisten während der gesamten Zeit durch Europa und spielten überall dort, wo sie ein Publikum finden konnten. Es gibt keinen Beweis dafür, dass sie nur grobe Szenen produziert haben.[11] Traditionell hatten Schauspieler keinen hohen Status; Im frühen Mittelalter wurden reisende Schauspieltruppen oft mit Misstrauen betrachtet. Frühmittelalterliche Schauspieler wurden von der Kirche während des Mittelalters angeprangert, da sie als gefährlich, unmoralisch und heidnisch angesehen wurden. In vielen Teilen Europas konnten die traditionellen Überzeugungen der Region und der Zeitperiode den Akteuren keine christliche Beerdigung zuteil werden lassen.

Im frühen Mittelalter begannen Kirchen in Europa dramatisierte Versionen von biblischen Ereignissen zu inszenieren. Um die Mitte des 11. Jahrhunderts hatte sich das liturgische Drama von Russland über Skandinavien bis nach Italien ausgebreitet. Das Feast of Fools ermutigte die Entwicklung der Komödie. Im Spätmittelalter wurde in 127 Städten gespielt. Diese einheimische Mysterienspiele enthalten oft Komödie, mit Schauspielern, die Dämonen, Schurken und Clowns spielen.[12] Die meisten Akteure in diesen Stücken stammten aus der lokalen Bevölkerung. Amateur-Darsteller in England waren ausschließlich männlich, aber andere Länder hatten weibliche Darsteller.

Im Mittelalter gab es eine Reihe von weltlichen Stücken, von denen das früheste ist Das Spiel des Greenwood von Adam de la Halle im Jahr 1276. Es enthält satirische Szenen und Volksmaterial wie Feen und andere übernatürliche Ereignisse. Auch nach dem 13. Jahrhundert stieg die Popularität der Farcen dramatisch an. Gegen Ende des Spätmittelalters traten professionelle Schauspieler in England und Europa auf. Richard III und Henry VII hielten beide kleine Firmen von professionellen Schauspielern. Ab der Mitte des 16. Jahrhunderts führten Commedia dell'arte-Ensembles über Jahrhunderte hinweg improvisierte Theaterstücke in ganz Europa auf. Commedia dell'arte war ein Schauspieler-zentriertes Theater, das wenig Landschaft und nur wenige Requisiten erforderte. Die Stücke waren lose Rahmen, die Situationen, Komplikationen und das Ergebnis der Handlung lieferten, um die herum die Schauspieler improvisierten. Die Spiele verwendeten Standardfiguren. Eine Truppe bestand typischerweise aus 13 bis 14 Mitgliedern. Den meisten Schauspielern wurde ein Teil der Spielgewinne ausgezahlt, die ungefähr der Größe ihrer Rollen entsprachen.

Eine Skizze aus dem Jahr 1596 über eine Aufführung auf der Bühne von The Swan, einem typisch elisabethanischen Open-Bed-Spielhaus.

Renaissance-Theater stammt aus verschiedenen mittelalterlichen Theatertraditionen, wie den Mysterienspielen, "Moralspielen" und dem "Universitätsdrama", das versuchte, die athenische Tragödie nachzubilden. Die italienische Tradition der Commedia dell'arte sowie die oft vorgestellten höfischen Masken trugen zur Gestaltung des öffentlichen Theaters bei. Seit der Regierungszeit von Elizabeth I. waren Unternehmen von Spielern an die Haushalte von führenden Aristokraten angeschlossen und wurden saisonal an verschiedenen Orten aufgeführt. Diese wurden zur Grundlage für professionelle Spieler, die auf der elisabethanischen Bühne spielten.

Die Entwicklung des Theaters und die Möglichkeiten des Schauspielens hörten auf, als die puritanische Opposition gegen die Bühne die Aufführung aller Stücke in London verbot. Puritaner betrachteten das Theater als unmoralisch. Die Wiedereröffnung der Theater 1660 signalisierte eine Renaissance des englischen Dramas. Englische Komödien, die in der Zeit der Restauration von 1660 bis 1710 geschrieben und aufgeführt wurden, heißen "Restaurationskomödie". Die Restaurationskomödie ist berüchtigt für ihre sexuelle Deutlichkeit. Zu diesem Zeitpunkt durften Frauen erstmals ausschließlich weibliche Rollen auf der englischen Bühne spielen. In dieser Zeit wurden die ersten professionellen Schauspielerinnen und die ersten Promi-Schauspieler vorgestellt.

19. Jahrhundert

Henry Irving in Die Glocken, 1874.

Im 19. Jahrhundert wurde der negative Ruf der Schauspieler weitgehend rückgängig gemacht, und das Schauspiel wurde zu einem geehrten, populären Beruf und Kunst.[13] Der Aufstieg des Schauspielers als Berühmtheit sorgte für den Übergang, als die Zuschauer zu ihren Lieblingsstars strömten. Eine neue Rolle entstand für die Schauspieler-Manager, die ihre eigenen Firmen gründeten und die Schauspieler, die Produktionen und die Finanzierung kontrollierten.[14] Wenn sie erfolgreich waren, bauten sie eine permanente Kundschaft auf, die zu ihren Produktionen strömte. Sie konnten ihr Publikum vergrößern, indem sie durch das Land tourten und ein Repertoire von bekannten Stücken, wie Shakespeare, spielten. Die Zeitungen, private Clubs, Pubs und Cafés läuteten mit lebhaften Debatten über die relativen Verdienste der Stars und der Produktionen. Henry Irving (1838-1905) war der erfolgreichste der britischen Schauspieler-Manager.[15] Irving war bekannt für seine Shakespeare-Rollen und für solche Innovationen wie das Drehen der Lichter im Haus, so dass die Aufmerksamkeit mehr auf die Bühne und weniger auf das Publikum gerichtet werden konnte. Seine Firma tourte durch Großbritannien, Europa und die Vereinigten Staaten und demonstrierte die Macht von Star-Schauspielern und gefeierten Rollen, um ein begeistertes Publikum anzuziehen. Seine Ritterschaft im Jahr 1895 zeigte volle Akzeptanz in den höheren Kreisen der britischen Gesellschaft.[16]

20. Jahrhundert

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verdrängte die Ökonomie von Großproduktionen das Akteur-Manager-Modell. Es war zu schwierig, Leute zu finden, die sowohl in der Schauspielerei als auch im Management ein Genie kombinierten, so dass die Spezialisierung die Rollen als Bühnenleiter und spätere Theaterregisseure aufteilte. Finanziell wurde viel größeres Kapital benötigt, um außerhalb einer Großstadt zu operieren. Die Lösung bestand im Besitz von Theaterketten, wie zum Beispiel Theatrical Syndicate Edward Laurillard und insbesondere The Shubert Organization. Durch die Versorgung der Touristen bevorzugten die Theater in den Großstädten zunehmend lange Abende mit sehr beliebten Stücken, insbesondere Musicals. Große Namenssterne wurden noch wichtiger.[17]

Techniken

Hauptartikel: Liste der Schauspieltechniken
  • Klassisches Schauspiel ist ein Überbegriff für eine Philosophie des Schauspielens, die den Ausdruck von Körper, Stimme, Imagination, Personalisierung, Improvisation, externen Reizen und Drehbuchanalyse integriert. Es basiert auf den Theorien und Systemen ausgewählter klassischer Schauspieler und Regisseure, darunter Konstantin Stanislavski und Michel Saint-Denis.
  • In Stanislavskis System, das auch als Stanislavskis Methode bekannt ist, greifen Schauspieler auf ihre eigenen Gefühle und Erfahrungen zurück, um die "Wahrheit" des von ihnen dargestellten Charakters zu vermitteln. Schauspieler versetzen sich in die Denkweise des Charakters und finden gemeinsam, dass der Charakter authentischer dargestellt werden kann.
  • Method Acting ist eine Reihe von Techniken, die darauf basieren, Schauspieler zu trainieren, um bessere Charakterisierungen der Charaktere zu erreichen, die sie spielen, wie Lee Strasberg formuliert.Strasbergs Methode basiert auf der Idee, dass Schauspieler, um ein emotionales und kognitives Verständnis ihrer Rollen zu entwickeln, ihre eigenen Erfahrungen nutzen sollten, um sich persönlich mit ihren Charakteren zu identifizieren. Es basiert auf Aspekten von Stanislavskis System. Andere Schauspieltechniken basieren ebenfalls auf Stanislavskis Ideen, wie denen von Stella Adler und Sanford Meisner, aber diese gelten nicht als "method acting".[18]
  • Die Meisner-Technik erfordert, dass sich der Schauspieler vollständig auf den anderen Schauspieler konzentriert, als ob er oder sie real wäre und sie nur in diesem Moment existieren. Dies ist eine Methode, die die Akteure in der Szene für das Publikum authentischer erscheinen lässt. Es basiert auf dem Prinzip, dass Handeln seinen Ausdruck in der Reaktion der Menschen auf andere Menschen und Umstände findet. Basiert auf Stanislavskis System.

Als unterschiedliches Geschlecht

Schauspielerin Margaret Hughes, c. 1670

Früher konnten in manchen Gesellschaften nur Männer Schauspieler werden. Im antiken Griechenland und im antiken Rom[19] und der mittelalterlichen Welt galt es als Schande, dass eine Frau auf die Bühne ging; dieser Glaube blieb bis zum 17. Jahrhundert in Venedig bestehen. In der Zeit von William Shakespeare wurden Frauenrollen in der Regel von Männern oder Jungen gespielt.[3]

Als nach der englischen Restauration von 1660 ein achtzehnjähriges puritanisches Dramaverbot aufgehoben wurde, traten in England Frauen auf die Bühne. Margaret Hughes wird häufig als die erste professionelle Schauspielerin auf der englischen Bühne angerechnet.[20] Dieses Verbot endete während der Regierungszeit von Charles II zum Teil, weil er es genoss, Schauspielerinnen auf der Bühne zu sehen.[21] Das erste Vorkommen des Begriffs Darstellerin wurde 1608 laut OED und Middleton zugeschrieben. Im 19. Jahrhundert betrachteten viele Frauen negativ, da Schauspielerinnen oft Kurtisanen waren und mit Promiskuität in Verbindung gebracht wurden. Trotz dieser Vorurteile sah das 19. Jahrhundert auch die ersten weiblichen "Stars", vor allem Sarah Bernhardt.[22]

In Japan, OnnagataMänner, die weibliche Rollen übernehmen, wurden benutzt Kabuki Theater, als Frauen während der Edo-Zeit von der Aufführung ausgeschlossen wurden. Diese Konvention geht weiter. Im Gegensatz dazu beziehen einige Formen des chinesischen Dramas Frauen ein, die alle Rollen spielen.

In modernen Zeiten spielten Frauen gelegentlich die Rollen von vorpubertären Jungen. Zum Beispiel wird die Bühnenrolle von Peter Pan traditionell von einer Frau gespielt, wie es die meisten Hauptdarsteller in der britischen Pantomime sind. Die Oper hat mehrere "Hosenrollen", die traditionell von Frauen gesungen werden, gewöhnlich Mezzo-Soprane. Beispiele sind Hansel in Hänsel und Gretel, Cherubino in Die Hochzeit des Figaro und Octavian in Der Rosenkavalier.

Frauen, die männliche Rollen spielen, sind im Film ungewöhnlich, mit bemerkenswerten Ausnahmen. Im Jahr 1982 spielte Stina Ekblad den geheimnisvollen Ismael Retzinsky in Fanny und Alexanderund Linda Hunt erhielt den Oscar für die beste Nebendarstellerin für Billy Kwan in Das Jahr des Lebens gefährlich. Im Jahr 2007 wurde Cate Blanchett für den Oscar als beste Nebendarstellerin für Jude Quinn, eine fiktionalisierte Darstellung von Bob Dylan in den 1960er Jahren, nominiert Ich bin nicht da.

In den 2000er Jahren sind Frauen, die Männer im Live-Theater spielen, besonders häufig in Präsentationen von älteren Stücken zu sehen, wie Shakespeare-Werke mit einer großen Anzahl von männlichen Charakteren in Rollen, in denen das Geschlecht belanglos ist.[4]

Einen Schauspieler als das andere Geschlecht für komische Effekte zu haben, hat auch eine lange Tradition im komischen Theater und Film. Die meisten von Shakespeares Komödien beinhalten Fälle von offener Cross-Dressing, wie Francis Flute in Ein Sommernachtstraum. Der Film Eine lustige Sache ist auf dem Weg zum Forum passiert Stars Jack Gilford Dressing als junge Braut. Tony Curtis und Jack Lemmon stellten sich als Frauen vor, um Gangstern im Billy Wilder Film zu entkommen Manche mögen es heiß. Cross-Dressing für Comic-Effekt war ein häufig verwendetes Gerät in den meisten der Carry On-Filme. Dustin Hoffman und Robin Williams sind beide in einer erfolgreichen Komödie (Tootsie und Frau Doubtfirejeweils), in denen sie die meisten als Frau verkleideten Szenen spielten.

Gelegentlich wird das Problem noch komplizierter, zum Beispiel wenn eine Frau eine Frau spielt, die wie ein Mann handelt - die dann vorgibt, eine Frau zu sein, wie Julie Andrews in Victor / Victoriaoder Gwyneth Paltrow in Shakespeare in der Liebe. Im Es ist Pat: Der FilmFilmwächter lernen nie das Geschlecht der androgynen Hauptfiguren Pat und Chris (gespielt von Julia Sweeney und Dave Foley). In ähnlicher Weise, in dem oben erwähnten Beispiel der Hochzeit des Figaro, gibt es eine Szene, in der Cherubino (eine männliche Figur, die von einer Frau dargestellt wird) verkleidet und als eine Frau fungiert; Die anderen Charaktere in der Szene sind sich einer einzelnen Stufe der Verschleierung von Geschlechterrollen bewusst, während dem Publikum zwei Ebenen bekannt sind.

Einige moderne Rollen werden von einem Mitglied des anderen Geschlechts gespielt, um die Geschlechterfluenz der Rolle zu betonen. Edna Turnblad in Haarspray wurde 1988 von Divine im Originalfilm, Harvey Fierstein im Broadway-Musical und John Travolta im Filmmusical von 2007 gespielt. Felicity Huffman wurde für einen Oscar für die beste Schauspielerin für Bree Osbourne (ein Mann-zu-Frau-Transsexuelle) im Jahr 2005 nominiert Transamerica.

Typen

Schauspieler, die in Theater, Film, Fernsehen und Radio arbeiten, müssen spezifische Fähigkeiten erlernen. Techniken, die in einer Art von Schauspiel gut funktionieren, funktionieren möglicherweise nicht gut in einer anderen Art von Schauspielerei.

Im Theater

Um auf der Bühne zu agieren, müssen die Schauspieler die Bühnenanweisungen lernen, die im Drehbuch erscheinen, wie "Bühne links" und "Bühne rechts". Diese Richtungen basieren auf der Sicht des Schauspielers, wenn er oder sie auf der Bühne gegenüber dem Publikum steht.Schauspieler müssen auch die Bedeutung der Regieanweisungen "Upstage" (weg vom Publikum) und "Downstage" (in Richtung des Publikums) lernen[23] Theaterschauspieler müssen das Blockieren lernen, das heißt "... wo und wie sich ein Schauspieler während eines Stücks auf der Bühne bewegt". Die meisten Skripte geben eine Blockierung an. Der Direktor gibt auch Anweisungen zum Blockieren, wie zum Beispiel das Überqueren der Bühne oder das Aufnehmen und Verwenden einer Stütze.[23]

Einige Theaterschauspieler müssen den Bühnenkampf lernen, der auf der Bühne simuliert wird. Schauspieler müssen möglicherweise Hand-zu-Hand [Kampf] oder Schwert [-kampf] simulieren. Schauspieler werden von Kampfdirektoren gecoacht, die ihnen helfen, die choreographierte Abfolge von Kampfhandlungen zu lernen.[23]

Im Film

Stummfilme

Von 1894 bis in die späten 1920er Jahre waren Filme Stummfilme. Stumme Filmschauspieler betonten Körpersprache und Gesichtsausdruck, so dass das Publikum besser verstehen konnte, was ein Schauspieler auf dem Bildschirm fühlte und darstellte. Viel Stummfilm-Schauspiel ist geeignet, das heutige Publikum als simpel oder campy zu treffen. Der melodramatische Handlungsstil war in manchen Fällen eine Gewohnheit, die Schauspieler aus ihrer früheren Bühnenerfahrung übertrugen. Vaudeville-Theater war ein besonders beliebter Ursprung für viele amerikanische Stummfilmschauspieler.[24] Die durchdringende Anwesenheit von Bühnenschauspielern im Film war die Ursache für diesen Ausbruch von Regisseur Marshall Neilan im Jahr 1917: "Je früher die Bühnenleute, die ins Bild gekommen sind, rauskommen, desto besser für die Bilder." In anderen Fällen verlangten Regisseure wie John Griffith Wray von ihren Schauspielern, dass sie mehr Ausdruck als Akzente setzten. Schon 1914 hatten die amerikanischen Zuschauer begonnen, ihre Vorliebe für mehr Natürlichkeit auf der Leinwand bekannt zu machen.[25]

Wegweisende Filmregisseure in Europa und den Vereinigten Staaten erkannten die unterschiedlichen Beschränkungen und Freiheiten der Bühnen- und Bildschirmmedien Anfang der 1910er Jahre. Stumme Filme wurden Mitte der 1910er Jahre weniger Varieté, als die Unterschiede zwischen Bühne und Leinwand deutlich wurden. Durch die Arbeit von Regisseuren wie D W Griffith wurde die Kinematographie weniger bühnenhaft und die damals revolutionäre Naheinstellung erlaubte subtiles und naturalistisches Handeln. In Amerika D.W. Griffiths Firma Biograph Studios, die für ihre innovative Ausrichtung und ihr schauspielerisches Handeln bekannt wurde, wurde eher für das Kino als für die Bühne verantwortlich gemacht. Griffith erkannte, dass Theateraufführung im Film nicht gut aussah und verlangte von seinen Schauspielern und Schauspielerinnen, dass sie wochenlange Schauspielausbildung absolvierten.[26]

Lillian Gish wurde als "erste wahre Schauspielerin" des Films für ihre Arbeit in dieser Zeit bezeichnet, als sie Pionierarbeit für neue Techniken der Filmbearbeitung leistete und die entscheidenden Unterschiede zwischen Bühnen- und Leinwanddarstellungen erkannte. Regisseure wie Albert Capellani und Maurice Tourneur begannen in ihren Filmen auf Naturalismus zu bestehen. Mitte der 1920er Jahre hatten viele amerikanische Stummfilme einen naturalistischeren Schauspielstil angenommen, obwohl nicht alle Schauspieler und Regisseure naturalistische, zurückhaltende Schauspielerei sofort akzeptierten; noch im Jahr 1927, Filme mit expressionistischen Schauspielstilen, wie z Metropole, wurden noch veröffentlicht. [27]

Laut Anton Kaes, einem Stummfilmwissenschaftler der Universität von Wisconsin, begann das amerikanische Stummfilmkino zwischen 1913 und 1921, beeinflusst durch Techniken des deutschen Stummfilms, eine Verschiebung der Schauspieltechniken. Dies ist vor allem auf den Zustrom von Auswanderern aus der Weimarer Republik zurückzuführen, "darunter Regisseure, Produzenten, Kameraleute, Licht- und Bühnentechniker sowie Schauspieler und Schauspielerinnen".[28]

Advent von Ton im Film

Filmschauspieler müssen lernen, sich daran zu gewöhnen und mit einer Kamera vertraut zu sein, die vor ihnen steht.[29] Filmschauspieler müssen lernen, ihr "Zeichen" zu finden und zu bleiben. Dies ist eine Position auf dem Boden mit Klebeband markiert. In dieser Position werden die Lichter und der Fokus der Kamera optimiert. Filmschauspieler müssen auch lernen, sich gut vorzubereiten und auf Bildschirmtests gut zu spielen. Screen Tests sind ein gefilmtes Vorsprechen eines Teils des Skripts.

Im Gegensatz zu Theaterschauspielern, die Charaktere für Wiederholungsaufführungen entwickeln, mangelt es den Filmschauspielern an Kontinuität. Sie zwingen sie dazu, zu allen Szenen zu kommen (manchmal in umgekehrter Reihenfolge der Reihenfolge, in der sie letztendlich erscheinen), die bereits voll entwickelt sind.[26]

"Da Film selbst die kleinste Geste einfängt und vergrößert ..., verlangt das Kino vom Darsteller eine weniger extravagante und stilisierte Körperperformance als das Theater." "Die Ausführung von Emotionen ist der schwierigste Aspekt des Filmhandelns, um ihn zu meistern: ... der Filmschauspieler muss sich auf subtile Gesichtszecken, Köcher und winzige Augenbrauenbewegungen verlassen, um einen glaubwürdigen Charakter zu erschaffen."[26] Einige Theaterstars "... haben den Übergang von Theater zu Kino ziemlich erfolgreich gemacht (Laurence Olivier, Glenn Close und Julie Andrews zum Beispiel), andere haben nicht ..."[26]

Rolle der Frau

Die Schauspielerin Anne Hathaway

Im Jahr 2015 Forbes berichtet, dass "nur 21 der 100 umsatzstärksten Filme des Jahres 2014 eine weibliche Hauptrolle oder Co-Führung hatten, während nur 28,1% der Charaktere in 100 Top-Einspielergebnissen weiblich waren ...".[30] In den USA gibt es eine "branchenweite Lücke" bei Gehältern aller Größenordnungen. Im Durchschnitt erhalten weiße Frauen 78 Cent für jeden Dollar, den ein weißer Mann verdient, während hispanische Frauen 56 Cent für einen weißen männlichen Dollar, Schwarz, verdienen Frauen 64 Cent und Indianerinnen nur 59 Cent dazu. "[30]Forbes ' Eine Analyse der US-Gehälter im Jahr 2013 ergab, dass die "... Männer auf Forbes 'Liste der bestbezahlten Schauspieler für das Jahr 2½ Mal soviel Geld einbrachten wie die Top-bezahlten Schauspielerinnen. Das bedeutet, dass Hollywoods bestbezahlte Schauspielerinnen nur gerecht wurden 40 Cent für jeden Dollar, den die am besten kompensierten Männer verdient haben. "[31][32][33]

Im Fernsehen

"Bei einem Fernsehgerät sind typischerweise mehrere Kameras am Set angewinkelt.Schauspieler, die neu auf dem Bildschirm sind, können sich darüber irritieren, über welche Kamera sie sich Gedanken machen sollten. "[23] Fernsehschauspieler müssen Lavamikrofone (Lavaliere-Mikrofone) lernen.[23] Fernsehschauspieler müssen das Konzept des "Rahmens" verstehen. "Der Begriff Frame bezieht sich auf den Bereich, den das Objektiv der Kamera erfasst."[23] Innerhalb der Schauspielbranche gibt es vier Arten von Fernsehrollen, die man in einer Show spielen kann. Jeder Typ variiert in Prominenz, Auftrittshäufigkeit und Bezahlung. Die erste ist als bekannt Serie regelmäßig-die Hauptdarsteller in der Show als Teil der festen Besetzung. Schauspieler in wiederkehrend Rollen stehen unter Vertrag, um in mehreren Episoden einer Serie zu erscheinen. EIN Co-Star Rolle ist eine kleine Sprechrolle, die normalerweise nur in einer Episode auftritt. EIN Gaststar ist eine größere Rolle als ein Co-Star Rolle, und der Charakter ist oft der zentrale Fokus der Episode oder Bestandteil der Handlung.

Im Radio

Aufnahme eines Hörspiels in den Niederlanden (1949; Spaarnestad Photo).

Radiodrama ist eine dramatisierte, rein akustische Performance, die im Radio ausgestrahlt oder auf Tonträgern, wie Tonband oder CD, veröffentlicht wird. Ohne eine visuelle Komponente hängt das Hörspiel von Dialogen, Musik und Klangeffekten ab, um dem Zuhörer dabei zu helfen, sich die Charaktere und die Geschichte vorzustellen: "Es ist auditiv in der physischen Dimension, aber ebenso mächtig wie eine visuelle Kraft in der psychologischen Dimension."[34]

Das Radiodrama erreichte in den 1920er Jahren innerhalb eines Jahrzehnts eine große Popularität. In den 1940er Jahren war es eine führende internationale populäre Unterhaltung. Mit dem Aufkommen des Fernsehens in den 1950er Jahren verlor das Radiodrama jedoch an Popularität, und in einigen Ländern hat es nie wieder ein großes Publikum erreicht. Aufnahmen von OTR (old-time radio) überlebten jedoch heute in den Tonarchiven von Sammlern und Museen sowie mehreren Online-Seiten wie Internet Archive.

Ab 2011 ist das Radiodrama in den USA nur noch minimal im terrestrischen Radio zu hören. Ein großer Teil des amerikanischen Hörspiels beschränkt sich auf Übertragungen oder Podcasts von Programmen aus früheren Jahrzehnten. Andere Nationen haben jedoch immer noch blühende Traditionen des Hörspiels. Im Vereinigten Königreich beispielsweise produziert und sendet die BBC jedes Jahr Hunderte von neuen Hörspielen auf Radio 3, Radio 4 und Radio 4 Extra. Podcasting bietet neben der Verbreitung von Vintage-Programmen auch die Möglichkeit, neue Hörspiele zu kreieren.

Die Begriffe "Hörspiel"[35] oder "Audio Theater" werden manchmal synonym mit "Radio Drama" mit einer möglichen Unterscheidung verwendet: Audio-Drama oder Audio-Theater muss nicht unbedingt speziell für die Übertragung im Radio bestimmt sein. Audio-Drama, ob neu produziert oder OTR-Klassiker, kann auf CDs, Kassetten, Podcasts, Webcasts und herkömmlichen Rundfunk gefunden werden.

Dank der Fortschritte in der digitalen Aufzeichnung und im Internet verbreitet sich das Radiodrama wieder.[36]

Schauspieler Spiel